In such a complex and technologically advanced age as ours, the concept of 'border' takes on new and different meanings every day, asking us numerous questions that concern not only the way we relate to others, but above all the ways in which we cross and reinvent unknown and alternative environments. How far can we extend our bodies? What does it mean today to enter into the lives of others? How many and what are the realities in which we move everyday?

Trying to better understand the role that physicality occupies within an era full of various hybridisations, MELTING BO(UN)D(AR)IES offers a selection of 12 works created by as many visual explorers – artists, videomakers, tiktokers, memers, etc. – whose modus developes within today's non-places such as the metaverse, social platforms or memetic frames. Long committed to exploring that very thin boundary that (perhaps) separates a tangible dimension from a purely digital one, the authors involved fit perfectly within a constantly evolving liminal space.

In un’epoca così complessa e tecnologicamente avanzata come quella attuale il concetto di “confine” acquista ogni giorno un’accezione sempre nuova e differente ponendoci dinanzi a numerosi quesiti che riguardano non solo il nostro modo di rapportarci con l’altro ma soprattutto le modalità con le quali attraversiamo e reinventiamo ambienti ignoti e alternativi. Fin dove si possono estendere i nostri corpi? Cosa significa oggi entrare nella vita degli altri? Quante e quali sono le realtà nelle quali ci muoviamo quotidianamente?

Lorenzo Badioli, Foto piedi?, 2020
18’’
“Hey, hi, wadup?? Heyo? u there? B*TCH UR UGLY! Nvm sorry. I see u there reading my texts, send me feet pics plsss? PLS MOARRRR!!!!!!”

Lorenzo Badioli at the age of 9, Lorenzo Badioli is hungry for tortellini, which his friend's mother cooks on Tuesdays. As an excuse to eat them, he starts a guitar course on Tuesdays, near his friend's house, right after lunch. At 25, he is hungry for fame and decides to start his social presence with the Babù channel on YouTube. Since he didn't eat with music and youtube, today he is a motion designer and content creator on TikTok under the name Pupetti tutti matti.

 IT 

Lorenzo Badioli, Foto piedi?, 2020
18’’
“Hey, ciao, k fai? Hey, oh!!! C6!?! BRUUUTTTA TR*IA! No dai scs, però lo vedo k mi vedi, dai mi mandi 1 foto dei piedi, dai, dai...DAI TI PREGO DI+!!!!!!”

Lorenzo Badioli a 9 anni ha fame di tortellini che la mamma di un suo amico cucina di martedì. Come scusa per mangiarli inizia un corso di chitarra il martedì, vicino casa dell'amico, subito dopo pranzo. A 25 anni ha fame di fama e decide di dar vita alla sua presenza social con il canale Babù su Youtube. Siccome con la musica e con youtube non ci mangiava, oggi fa il motion designer e il content creator su TikTok con il nome di Pupetti tutti matti.

 EN 

Marco Cadioli, The Whirlpool, 2022
5’58’’
The Whirlpool was filmed in Decentraland between late 2021 and early 2022, when interest in the Metaverse exploded and everyone literally jumped into it. Everyone has a different attitude in front of a new world, who is more uncertain, who goes direct, who would like to escape, who is saved by a whisker. And the sound reveals the real world behind the avatar.

Marco Cadioli artist and teacher, has focused his research on images that materialize on computer screens, blurring the boundaries between real and virtual since the early 2000s. In many works by Marco Cadioli there is a subversion of the use of systems and software, misused or used to do more than their main purpose to go beyond the surface of the algorithms.

 IT 

Marco Cadioli, The Whirlpool, 2022
5’58’’
The Whirlpool è stato girato a Decentraland tra la fine del 2021 e l'inizio del 2022, quando l'interesse per il Metaverso è esploso e tutti vi si sono letteralmente buttati dentro. Ognuno ha un atteggiamento diverso di fronte a un nuovo mondo, chi è più incerto, chi va diretto, chi vorrebbe fuggire, chi si salva per un soffio. E il suono rivela il mondo reale dietro l'avatar.

Marco Cadioli artista e docente, ha concentrato la sua ricerca sulle immagini che si materializzano sugli schermi dei computer, sfumando i confini tra reale e virtuale sin dai primi anni 2000. In molte sue opere c'è un sovvertimento dell'uso del software, per andare oltre la superficie dei sistemi.

 EN 

Vuk Ćosić, ASCII Dance Mix,
2022
8’21’’

ASCII Dance Mix is a recent collection of videos in ASCII code that Vuk Ćosić made in 2008 by putting together some dance moments from celebrated films of the last century (The Great Dictator, Singing in the Rain, Saturday Night Fever. Consisting of Chaplin, Singing in the Rain and Travolta, the work is presented as a long sequence of choreographies where the actors' dynamism is determined by the very movement of the numbers and letters that make up the frames of the entire film.

Vuk Ćosić Internet veteran and internationally aclaimed “classic” of internet art. Co-founder of the Ljubljana Digital Medialab and Nettime. Lives in Ljubljana, Slovenia. Frequently exhibits: Whitechappel, London; Venice Bienial; Habana Bienial; Manifesta, Zurich; ICA, London; Beaubourg, Paris; Reina Sofia, Madrid; Garage, Moscow; ICC, Tokio; Kunsthalle, Vienna; Digital Artlab, Tel Aviv; ZKM, Karlsruhe; Ars Electronica, Linz; Castello Rivoli, Torino.

 IT 

Vuk Ćosić, ASCII Dance Mix,
2022
8’21’’

ASCII Dance Mix è una raccolta recente di video in codice ASCII che Vuk Ćosić ha realizzato nel 2008 mettendo insieme alcuni momenti di danza provenienti da celeberrimi film del secolo scorso (Il grande dittatore, Singing in the rain, La febbre del sabato sera). Costituita dai lavori Chaplin, Singing in the Rain e Travolta, l’opera si presenta come una lunga sequenza di coreografie dove il dinamismo degli attori è determinato dal movimento stesso dei numeri e delle lettere che compongono i frame dell’intero film.

Vuk Ćosićr veterano di Internet e internazionalmente acclamato come “classico” della Net.Art. Co-fondatore del Ljubljana Digital Medialab e di Nettime. Vive a Ljubljana, Slovenia. Ha esposto frequentemente per le seguenti istituzioni: Whitechappel, Londra; Biennale di Venezia; Habana Bienial; Manifesta, Zurich; ICA, Londra; Beaubourg, Pargi; Reina Sofia, Madrid; Garage, Mosca; ICC, Tokio; Kunsthalle, Vienna; Digital Artlab, Tel Aviv; ZKM, Karlsruhe; Ars Electronica, Linz; Castello Rivoli, Torino.

 EN 

HHaamburger, 21st Century Humor,
on going
101’’

HHaamburger is a meme page that I opened in 2019. I was inspired by various American meme pages. The name of the page is inspired by an old meme called Sonic says hamburger. Besides being a lover of memes, I am also a lover of retrogaming, and very often I use songs from video game soundtracks from the 90s and 80s. My kind of humor is based on nonsense and the combined use of sound effects and video effects, with a kind of punchline in between.

 IT 

HHaamburger, 21st Century Humor,
in corso
101’’

HHaamburger è una pagina di meme che ho aperto nel 2019. Mi sono ispirato a varie pagine di meme americane. Il nome della pagina prende ispirazione da un vecchio meme, che si chiama Sonic says hamburger. Oltre ad essere un'amante dei meme, sono anche un'amante del retrogaming, e molto spesso uso canzoni tratte da colonne sonore di videogiochi anni 90 e 80. Il mio tipo di umorismo si basa sul nonsense e sull'uso combinato di effetti sonori e effetti video, con in mezzo una sorta di punchline.

 EN 

IOCOSE, Pointing at a New Planet, 2020
6’51’’
Pointing at a New Planet is a video loop animation of a 3D model of the hand of Elon Musk flying over Mars. Musk is one of the most famous investors of the New Space movement, that is, the rush to privatised spaceflight and planet colonisation. The video is presented with a karaoke song and an animated text in overlay. The song is composed and sung by Albertine Sarges, the lyrics are a collage of the most bombastic statements and slogans made by Elon Musk while promoting his company, SpaceX. We have been researching how the major actors of the NewSpace movement involve their audiences during public talks, gesticulating and pointing at invisible planets, to make the audience picture the not yet visible future of mankind. In these visions of the future, complexity and diversity are flattened, and the flattening is instrumental to preserve the current conditions of economic inequality.

Music: Albertine Sarges

IOCOSE founded in 2006 by four artists (Matteo Cremonesi, Filippo Cuttica, Davide Prati, Paolo Ruffino), IOCOSE investigate how the narratives surrounding the future of technology leave traces on the present. Their artistic practice focuses on the failure of narratives about the future and technological innovation while producing new interpretations of imaginaries, iconographies and rhetorics through surreal poetics.

 IT 

IOCOSE, Pointing at a New Planet, 2020
6’51’’
Pointing at a New Planet è un'animazione video in loop di un modello 3D della mano di Elon Musk che sorvola Marte. Musk è uno dei più famosi investitori del movimento NewSpace, ovvero la corsa al volo spaziale privatizzato e alla colonizzazione del pianeta. Il video è presentato con una canzone karaoke e un testo animato in sovrimpressione. La canzone è composta e cantata da Albertine Sarges, il testo è un collage delle dichiarazioni e degli slogan più roboanti pronunciati da Elon Musk per promuovere la sua azienda, SpaceX. Abbiamo studiato come i principali attori del movimento NewSpace coinvolgano il pubblico durante i discorsi pubblici, gesticolando e indicando pianeti invisibili, per far immaginare al pubblico il futuro non ancora visibile dell'umanità. In queste visioni del futuro la complessità e la diversità sono appiattite e l'appiattimento è strumentale alla conservazione delle attuali condizioni di disuguaglianza economica.

Musica: Albertine Sarges

IOCOSE fondato nel 2006 da quattro artisti (Matteo Cremonesi, Filippo Cuttica, Davide Prati, Paolo Ruffino), IOCOSE indagano le tracce lasciate nel presente dalle narrazioni che sul futuro della tecnologia. La loro pratica artistica è incentrata sul fallimento delle narrative sul futuro e l’innovazione tecnologica producendo, attraverso una poetica surreale, nuove interpretazioni di immaginari, iconografie e retoriche.

 EN 

Koebane, Breakdown, 2022
1’33’’
The work is about the idea of distortion, transformation and mutation of elements such as the human body expanding in the digital world. Of the changing idea of our cultural body, we witness a total immersiveness and a continuous disassembly of our identity that persists between the nonhuman and the human, leading us all to be entangled in a web of intra actions. We are all organisms in transition, cyborgs, post-metaphysical bodies that transcend purely human agency. The text of the work is part of Computers and Rationality:The Myths and Realities, by Terry Winograd and Fernando Flores, it is a reflection on the human mind compared to the workings of computers arriving then at the glitch element called breakdown which is narrated not as a negative and problematic factor but as a possibility toward new actions.

Koebane stage name of Vanessa Biffi is a multidisciplinary artist working mainly in the field of new technologies and new media navigating in various environments such as AR and 3D animation. Her artistic research is mainly based on the analysis of the body and identity within the digital world, with a particular focus on glitches and everything that causes errors.

 IT 

Koebane, Breakdown, 2022
1’33’’
L’opera verte sull’idea di distorsione, trasformazione e mutazione di elementi quali il corpo umano che si espande nel mondo digitale. Del cambiamento della nostra idea del nostro corpo culturale, assistiamo ad una totale immersività e ad un continuo disassemblare della nostra identità che persiste tra il non umano e l’umano, portandoci ad essere tutti aggrovigliati in una rete di intra azioni. Siamo tutti organismi in transizione, cyborg, corpi post metafisici che oltrepassano l’agency prettamente umana. Il testo dell’opera fa parte di Computers and Rationality:The Myths and Realities di Terry Winograd e Fernando Flores: una riflessione sulla mente umana paragonata al funzionamento dei computer arrivando poi all’elemento glitch chiamato breakdown che è narrato non come un fattore negativo e problematico ma come possibilità verso nuove azioni.

Koebane, nome d’arte di Vanessa Biffi, è un’artista multidisciplinare che opera principalmente nel campo delle nuove tecnologie e dei new media navigando in vari ambienti quali la realtà aumentata e l’animazione 3D. La sua ricerca artistica si basa principalmente sull’analisi del corpo e identità all’interno del mondo digitale, con una particolare attenzione verso i cosiddetti glitch e tutto ciò che causa errori.

 EN 

David Koh, Traversal, 2022
2’37’’
I decided to do a video demonstration of the “pixelization filter” I made in AR. To add something new to it, I was going to use the filter walking around some streets in London and then add a Google Maps recording of the same area that I walked. This is to create a feeling of walking in-between the real physical space and digital space.

David Koh is an artist and filmmaker who works with computer and lens-based mediums. His practice focuses on the impacts of digital technology on individuals, society and the environment. He is currently interested in researching the connections between nature and technology. Born in Singapore and raised in the United States, David earned his BFA in Filmmaking from NYU in 2015 and is currently pursuing his MA in Fine Art at Central St. Martins.

 IT 

David Koh, Traversal, 2022
2’37’’
Ho deciso di realizzare un video dimostrativo del filtro di pixelizzazione che ho realizzato in Realtà Aumentata. Per aggiungere qualcosa di nuovo avrei usato il filtro camminando per alcune strade di Londra e poi avrei aggiunto una registrazione di Google Maps della stessa area in cui ho camminato. Questo per creare la sensazione di camminare tra lo spazio fisico reale e lo spazio digitale.

David Kohè un artista e filmaker che lavora con computer e medium fotografici. La sua pratica si concentra sull'impatto della tecnologia digitale sugli individui, sulla società e sull'ambiente. Attualmente è interessato a ricercare le connessioni tra natura e tecnologia. Nato a Singapore e cresciuto negli Stati Uniti, David ha conseguito il BFA in Filmmaking presso la NYU nel 2015 e sta attualmente conseguendo un MA in Fine Art presso la Central St. Martins.

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Martina Menegon, untouched.941488, 2022
Online Virtual Sculpture (.html), Augmented Reality

untouched is a series of 3D Scan-Selfies presented as online virtual sculptures with Augmented Reality capability (on compatible mobile). In the series, Menegon captures herself via 3D Scanning technique, using her physical body in movement to performatively gl̷̳̀i̴͎̾t̴͉̉̓ch the resulting virtual one. "Fragmentation is the truth of existence" (Carolyn J. Dean): using 3D Scanning as an artistic medium, Menegon’s self-scanning technique becomes an intimate process, an extremely personal journey through her multiple digital selves and towards a deep understanding of her virtual identities. Untouched, these virtual three-dimensional selfies propose a new authentic and perceivable digital body, immobile yet constantly performing.

Martina Menegon (Italy, 1988) is an artist working predominantly with Interactive and Extended Reality Art. In her works, Martina creates intimate and complex assemblages of physical and virtual elements that explore the contemporary self and its phygital corporeality. She experiments with the uncanny and the grotesque, the self and the body and the dialogue between physical and virtual realities, to create disorienting experiences that become perceivable despite their virtual nature.

 IT 

Martina Menegon, untouched.941488, 2022
Scultura virtuale online (.html), Realtà Aumentata

untouched è una serie di scansioni-selfie 3D presentate come sculture virtuali online con funzionalità di Realtà Aumentata (su cellulari compatibili). Nella serie, Menegon cattura sé stessa attraverso la tecnica della scansione 3D utilizzando il suo corpo fisico in movimento per glitchare quello virtuale. "La frammentazione è la verità dell'esistenza" (Carolyn J. Dean): utilizzando la scansione 3D come mezzo artistico, la tecnica di auto-scansione di Menegon diventa un processo intimo, un viaggio estremamente personale attraverso i suoi molteplici sé digitali e verso una profonda comprensione delle sue identità virtuali. Intatti, questi selfie virtuali tridimensionali propongono un nuovo corpo digitale autentico e percepibile, immobile ma costantemente in azione.

Martina Menegon (Italia, 1988) è un'artista che lavora prevalentemente con l'arte interattiva e la realtà estesa. Nelle sue opere, Martina crea assemblaggi intimi e complessi di elementi fisici e virtuali che esplorano il sé contemporaneo e la sua corporeità fi-gitale. Sperimenta il perturbante e il grottesco, il sé e il corpo e il dialogo tra realtà fisica e virtuale, per creare esperienze disorientanti che diventano percepibili nonostante la loro natura virtuale.

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Mitikafe, About Ayumi, 2018-2020
13’02’’
The work is an exploration of the connection between humans through the internet and digital. The coldness of the digital mitigated by the warmness of sex is unavoidably linked with loneliness and necessity of real feelings. This cold (but somehow warm) interaction that digital creates could be a way to overcome our deep loneliness. The video is about the murder of the fictional camgirl Ayumi. Seven actors and actresses were free to use their imagination and create their own Ayumi: together they created an ambivalent, restless and controversial character.

Mitikafe (b. 1995, Italy) lives and works in Turin. Her work is based on the exploration of different kind of possibilities of expression, communication and relationship between humans and digital devices. Through the use of photography and internet she examines the future of a more than‐human‐planet, in the hope of creating the right collaboration with non‐ humans of our world.

 IT 

Mitikafe, About Ayumi, 2018-2020
13’02’’
Il lavoro esplora il tema della relazione tra esseri umani tramite internet e il digitale. La freddezza del digitale mitigata dal tepore del sesso è legata inevitabilmente alla solitudine e alla necessità di sentimenti reali. Questa fredda - ma in qualche modo comunque calda - interazione che il digitale crea potrebbe essere uno dei modi possibili per superare la profonda solitudine. Il video narra dell’uccisione della camgirl immaginaria Ayumi. Sette attori e attrici hanno utilizzato la loro immaginazione per creare la propria Ayumi: insieme hanno costruito un personaggio ambivalente, irrequieto e controverso.

Mitikafe (1995, Italia) vive e lavora a Torino. Il suo lavoro si basa sull’esplorazione di diverse possibilità d’espressione, comunicazione e relazione tra esseri umani e devices digitali. Tramite l’utilizzo della fotografia e di internet l’artista esamina il futuro del nostro pianeta, nella speranza di costruire la giusta collaborazione con i non‐umani che vi abitano.

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Alice Palamenghi, Let’s Rituals, 2021
50’’
"The 'promise' of New Eden, the wellness centre in the district where I live, says: Relaxing spaces in which to embark on a journey towards a new dimension, far removed from everyday life and stress. You rediscover the benefits of the senses and nature in a journey of contact with your inner self and the natural balance of mind and body. Your well-being is safe here." In the late 1990s, after about a decade, the end of the digital revolution was decreed. The boundary demarcating the public sphere from the private one was collapsing: work time was mingling with leisure time, and thus gradually blurring. The PC [Personal Computer], software and hardware, as we know, created the user. The Id. Little by little the distance between human and machine, as had happened with many previous technologies, diminished until it overlapped. Where this blending still persists, recreational rituals ('pause', 'holiday', 'relaxation', 'escapism') occur simultaneously in the digital and non-digital dimensions. Let's Rituals presents in three movements, a SPA experience for soul/wireless, mind/software, body/hardware, designed for human-digital users.

Alice Palamenghi My research it’s about the concept of “technique” and technologies as a mirror to identify the human being: the technique incorporates in itself, concepts, books, libraries, the language, archives and so on. It is in the culture (clothes, habits, rituals, et cetera) that the authentic human being resides. In fact, this is the dimension in which the human being actually materializes the human: outside himself. That’s the scenario in which I’m developing by work, by modelling 3D landscapes.

 IT 

Alice Palamenghi, Let’s Rituals, 2021
50’’
“La ‘promessa’ di New Eden, il centro benessere nel rione in cui vivo, dice: Spazi rilassanti in cui intraprendere un viaggio verso una dimensione nuova, lontana dalla quotidianità e dallo stress. Si riscoprono i benefici dei sensi e della natura in un percorso di contatto con la propria interiorità e il naturale equilibrio di mente e corpo. Qui il tuo benessere è al sicuro”. Sul finire degli anni ’90, dopo circa un decennio, venne decretata la fine della rivoluzione digitale. A cedere era il confine che delimitava la sfera pubblica, da quella privata: il tempo del lavoro andava vicendevolmente mescolandosi al tempo libero, e così progressivamente a confondersi. Il PC [Personal Computer], il software e l’hardware, come sappiamo, crearono l’utente. L’Id. Un po’ per volta la distanza fra l’umano e la macchina, com’era accaduto per molte tecnologie precedenti, diminuì fino a sovrapporsi. Laddove questo mescolamento persista ancora, i rituali ricreativi (“pausa”, “vacanza”, “relax”, “evasione”) accadono simultaneamente nella dimensione digitale e non-digitale. Let’s Rituals presenta in tre movimenti, un’esperienza SPA per la cura dell’anima / wireless, della mente / software, del corpo / hardware, disegnata per gli utenti umani-digitali.

Alice Palamenghi La mia ricerca è un ragionamento rispetto alla tecnica [tecniche e tecnologie] intesa come specchio per individuare l’umano: la tecnica incorpora in sé i concetti, i libri, le biblioteche, il linguaggio, gli archivi. È nella cultura (abiti, abitudini, rituali, ecc) che risiede propriamente l’umano. Questa la dimensione, in cui l’umano si materializza propriamente al di fuori dell’uomo, al di fuori di sé stesso, appunto, in cui sviluppo il mio lavoro modellando paesaggi 3D.

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Donato Sansone, Loopsichedelico, 2022
32’’
The video is a work that rewinds back on itself bending reality into a cyclical nightmare.

Donato Sansone After graduating from the Academy of Fine Arts in Naples, he attended the Centro Sperimentale di Cinematografia - animation department in Turin, specialising in experimental animation and compositing techniques and live action. His works include the production of commercials, video clips and short films and video clips selected in the world's best festivals (Annecy Animation Film Festival, Anima Mundi Festival Brasil , Hiroshima International Animation Festival…).

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Donato Sansone, Loopsichedelico, 2022
32’’
Il video è un lavoro che si riavvolge su sé stesso piegando la realtà in un incubo ciclico.

Donato Sansone dopo il diploma conseguito presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli ha frequentato il Centro Sperimentale di Cinematografia - dipartimento animazione di Torino specializzandosi in animazione sperimentale e compositing di tecniche d’animazione e live action. I suoi lavori includono la realizzazione di spot pubblicitari, videoclip e cortometraggi selezionati nei migliori festival del mondo (Annecy Animation Film Festival, Anima Mundi Festival Brasil, Hiroshima International Animation Festival...).

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@sushisyrup, Loop1, 2022
1’25’’
Loop1 shows the concepts of body and boundary through visual associations. It’s a video from @sushisyup, a digital art project based on Instagram since 2017.

@sushisyup is an artist and videomaker. Her works focus mostly on moving images using the social media as an exhibition space and the smartphone as the only research tool.

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@sushisyup, Loop1, 2022
1’25’’
Loop1 illustra i concetti di corpo e confine tramite delle associazioni visive. È un video estratto da @sushisyrup, un progetto di arte digitale attivo su Instagram dal 2017.

@sushisyup è un’artista e videomaker. I suoi lavori si concentrano principalmente sulle immagini in movimento usando il social media come spazio espositivo e lo smartphone come unico strumento di ricerca.

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Valerio Veneruso is a visual explorer born in Naples in 1984. He deals, both as an artist and as an independent curator, with the impact of images in contemporary society and everything related to audiovisual experimentation. He is also founder, together with Davide Spillari, of the publishing project BANANE FANZINE and co-curator of the first two editions of the interactive arts festival Toolkit Festival (Venice, 2011 - 2012). He has collaborated with online magazines such as Kabul Magazine, SkyArte and NOT. He writes regularly for Artribune. He currently lives and works between Turin and the web. Solo exhibitions: RUBEDODOOM - Per tutti e per nessuno (Metodo Milano, Milan, curated by Maurizio Bongiovanni, 2020), Tomorrow never knows (Project Space A plus A, Palazzo Malipiero, Venice, curated by Aurora Fonda and Sandro Pignotti, in collaboration with the Utter collective, 2015) and Camera vitrea (La Fenice Gallery, Venice, curated by Cecilia Tirelli, 2013). Most recent group shows: The struggle is real (Fondazione Spara, curated by Green Cube Gallery and Clusterduck), Rifting - the Wrong Biennale (curated by Federica Mirabella and Federico Poni), Sottosopra (on the Mozilla Hubs platform, curated by Alessandra Ioalè and Matteo Lupetti) and Art Layers (an exhibition project on Instagram curated by Valentina Tanni). Among the main curatorial experiences: the monthly newsletter project mensile IMMAGINARIA – Un altro mondo (per l’arte) è possibile, the group exhibitions Le conseguenze dell'errore (TRA Treviso Ricerca Arte, 2019) and L'occhio tagliato (Casa Capra, Schio, 2018); the workshop L'occhio tagliato - il potere della manipolazione dell'immagine nell'era contemporanea (Circolo cinematografico The Last Tycoon, Padua, 2016), the series of meetings TorchioTalks - Dialoghi tra arte grafica e arte contemporanea and the related group show TorchioFolks (atelier Palazzo Carminati of Fondazione Bevilacqua La Masa, Venice, 2015/2016).

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Valerio Veneruso è un esploratore visivo nato a Napoli nel 1984. Si occupa, sia come artista che come curatore indipendente, dell’impatto delle immagini nella società contemporanea e di tutto ciò che è legato alla sperimentazione audiovideo. È inoltre fondatore, insieme a Davide Spillari, del progetto editoriale BANANE FANZINE e co-curatore delle prime due edizioni del festival di arti interattive Toolkit Festival (Venezia, 2011 – 2012). Ha collaborato con riviste online quali Kabul Magazine, SkyArte e NOT. Scrive regolarmente per Artribune. Attualmente vive e lavora tra Torino e il web. Mostre personali: RUBEDODOOM – Per tutti e per nessuno (Metodo Milano, Milano, a cura di Maurizio Bongiovanni, 2020), Tomorrow never knows (Project Space A plus A, Palazzo Malipiero, Venezia, a cura di Aurora Fonda e Sandro Pignotti, in collaborazione con il collettivo Utter, 2015) e Camera vitrea (La Fenice Gallery, Venezia, a cura di Cecilia Tirelli, 2013). Tra le ultime mostre collettive alle quali ha partecipato: The struggle is real (Fondazione Spara, a cura di Green Cube Gallery e Clusterduck), Rifting – the Wrong Biennale (a cura di Federica Mirabella e Federico Poni), Sottosopra (su piattaforma Mozilla Hubs, a cura di Alessandra Ioalè e Matteo Lupetti) e Art Layers (progetto espositivo su Instagram curato da Valentina Tanni). Tra le principali esperienze curatoriali: il progetto di newsletter mensile IMMAGINARIA – Un altro mondo (per l’arte) è possibile, le mostre collettive Le conseguenze dell’errore (TRA Treviso Ricerca Arte, 2019) e L’occhio tagliato (Casa Capra, Schio, 2018); il workshop L’occhio tagliato – il potere della manipolazione dell’immagine nell’era contemporanea (Circolo cinematografico The Last Tycoon, Padova, 2016), il ciclo di incontri TorchioTalks – Dialoghi tra arte grafica e arte contemporanea e la relativa esposizione collettiva TorchioFolks (atelier Palazzo Carminati della Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia, 2015/2016).